近年不少國際畫廊進駐香港，籌備多年的M+、大館等藝術館亦大受歡迎，香港似乎正擺脫 「文化沙漠」的稱號，迎來越發熾熱的藝術市場。WOAW Gallery創辦人潘世亨接受《彭博商業周刊／中文版》訪問，分享對實體與虛擬藝術場景的看法，以及對香港藝術發展的期望。

經歷近兩年的沉寂後，今年香港的大型實體藝術展終於開始復甦，你對此感覺如何？

當然非常開心，實體展覽開始恢復，可以見到很多朋友和來自不同畫廊的人。當然，電子化很重要，現在Zoom等平台也很發達，但沒有東西比得上面對面的交流。很多人喜歡藝術，原因是藝術就是對話，分享、討論都非常重要。早前日本藝術家岩村遠在WOAW Gallery做了一個展覽，我發現來看展覽的人都很開心。其實對藝術家而言，有些藝術品始終需要一個實體展出的地方，他們也喜歡有人親眼看到自己的作品。

既然實體展出如此重要，你認為疫情期間藝術業科技化的趨勢會否逐漸消退？

我並不這樣認為。雖然大家很喜歡實體展覽，但現在很多生意都在網上完成，譬如有人想買我們畫廊的畫作，都是在網上交易。甚至巴塞爾藝術展（Art Basel）或一些大型博覽會的藝術品，很多都在正式開展前已被預留，所以我覺得電子策略對現代畫廊非常重要。我自己也習慣了在網上買藝術品──如果是我一向關注的藝術家，其實不用見到實物都會買，因為有時會有搶購的情況，等到親眼見到那件藝術品，可能早就已經售出了。

自2019年成立以來，WOAW Gallery曾與挪威、韓國、日本等眾多海外藝術家合作策展，你在挑選合作對象時最重視哪些方面？與你作為收藏家的取向會否有不同？

個人收藏的話，我會以自己的喜好為先，不太在意其他人的喜好，但如果要展出，就會考慮市場喜歡什麼類型的藝術品。我常常在Instagram和不同國家的藝術家溝通，因為他們都會在網上展示自己的作品，如果他們的作品能夠吸引我，我就會看看有沒有其他畫廊或朋友曾經與他們交流，再和藝術家討論他們會否對WOAW Gallery有興趣。很多時候我沒見過藝術家本人就已決定與他們合作，甚至到展覽完結都不會見到本人。譬如做一個藝術群展，參展的人全都在世界各地不同地方，但那種精神還是在的。

近年香港多了不少新畫廊，還有M+、大館等大型藝術場館，你覺得這些新的空間有沒有增加大眾對藝術的興趣？

英國、法國、日本等國家都有很大型的博物館，但香港在這方面一直很缺乏，現在有了M+、大館和故宮博物館，我覺得大家開始會看重文化這件事。與此同時，社交平台對藝術的發展也有很好的幫助。以往喜歡藝術可以去哪裡看藝術品？可能就要去畫廊，但畫廊的門檻對年輕人而言比較高。有了社交平台後，只要按下主題標籤或者地點標籤，就可以找到很多與藝術相關的資訊，這對藝術的發展非常好。我也留意到一些本地新晉藝術家湧現、很多畫廊的總部也設在香港—越多人做，市場就會越蓬勃，我相信香港未來一定有藝術發展的空間和地位。

除了畫廊之外，你還同時涉獵潮流服飾、餐飲、DJ等多個領域，你決定跨界發展時的想法從何而來？

很多時候都是因為自己喜歡、感興趣，所以就嘗試去做，譬如早期決定做Elephant Grounds是因為喜歡漂亮、開揚的咖啡店，以及早午餐文化；決定開畫廊的時候，也是先嘗試開一、兩個展覽，熟悉之後才投放更多資源。我參與的領域都是圍繞著文化的東西，所以對我而言都是開心的事。將來會有很多機械人，他們很容易就能做到出單、寫電郵等模仿類的事。那麼人類會做什麼呢？當然是做一些創意方面的東西，藝術、文學和音樂都是暫時無法被取代的。──區倩怡